Category: Reviews/Critiques

Pour La vie de château, j’ai affronté une pluie battante, attendu le bus pendant 30 minutes, fait la queue pendant 45 minutes dans le froid…. J’étais tellement agacée devant le cinéma en attendant @_Fouye que j’ai failli rentrer chez moi. Au final, est-ce que ça en valait la peine ? Oui.

A la base, je ne voulais voir le film que pour Jacky Ido. Néanmoins, après visionnage de la bande-annonce, j’étais plutôt sceptique par rapport au thème… Vous-mêmes vous savez quels films l’industrie cinématographique FR valide en général. Je n’avais pas le temps ni l’argent pour supporter 1h45 de clichés et de représentation caricaturale.

J’ai donc assisté à la projection du 11 novembre au cinéma d’arts et d’essai L’Ecran à Saint-Denis. La séance était suivie d’une séance de questions-réponses. J’y reviendrai tout à l’heure. Avant toute chose, je précise que je me suis posée dans le cinéma avec la ferme intention de ne rien laisser passer à ce film. Jacky Ido ou pas, j’étais là pour être divertie et à tacler tout ce qui m’empêcherait de l’être.

Résumé allôciné : Paris, station Château d’Eau. Charles est le chef d’un groupe de rabatteurs employés par les salons de coiffure afro du quartier. Charismatique, Charles règne sur son bout de trottoir où on le surnomme le « Prince ». Il est même sur le point de s’installer à son compte et de racheter le salon d’un barbier kurde dont les affaires périclitent. Mais un service rendu à un ami jaloux et l’ascension sur le boulevard d’un jeune rival aux méthodes plus agressives vont l’entraîner dans une dangereuse spirale dont ses rêves, sa réputation et sa garde-robe ne sortiront pas indemnes.

Voici ma réaction pendant le générique de fin :

Nan, je n’ai pas vraiment dabbé, mais le coeur y était. C’était rafraîchissant de voir une comédie française avec des personnages aussi différents mais aux émotions si universelles.

Un Château d’Eau multiculturel

Le cinéma français a beau clamé son amour de la diversitéyyy, moi, je la cherche encore. Ici, le film réussit l’exploit de plonger le spectateur au carrefour de cultures sans jamais tomber dans le dénigrement ou l’affirmation de la supériorité d’une culture par rapport à une autre. Le chassé-croisé entre les personnages se fait à travers différentes langues, différents modes de vie, différentes mentalités et ce petit monde vit dans une coopération, calculée certes, mais coopération quand même. C’est possible.

Des femmes noires flamboyantes

Sonia (Tatiana Rojo) et Djénaba (Félicité Wouassi) sont les deux personnages féminins centraux de l’intrigue. Bien que les hommes passent leur temps à les considérer comme de simples “go”, le film les montre comme des business women qui savent précisément ce qu’elles veulent. Une représentation de femmes noires en dehors de la maman ou de l’épouse ?

La mode ici fait partie intégrante de l’univers des personnages sans pour autant qu’elle soit méprisée. Sans prendre parti et surtout sans condamner, le film évoque des sujets importants pour les femmes noires : les tissages et les crèmes éclaircissantes. C’est pour cette raison que la situation finale de Bébé (Eric Abrogoua) en était d’autant plus satisfaisante.

Un vaudeville parisien

90% du film est tourné dans la rue. Le spectateur blanc peut y voir un documentaire, comme l’a suggéré celle qui animait la session Q&A. Le spectateur concerné y voit un pur divertissement. Rien de plus, rien de moins. Modi Barry l’a d’ailleurs expliqué avec pédagogie et tact ensuite. Aucun personnage n’est à voir comme une représentation de la réalité. Certes, ils sont inspirés de ce que le quartier a à proposer, mais ce sont des personnages construits entièrement pour servir l’histoire et les comédiens sont juste excellents. C’est un Paris du 21ème siècle qui ne se vante pas de son cosmopolitisme mais se contente de le vivre au quotidien. Si vous regardez ce film en vous disant que c’est une représentation réaliste du quartier, vous êtes hors sujet.

J’ai exprimé mes félicitations à l’équipe. Rares sont les films français qui déclenchent mon enthousiasme. Si vous voulez une comédie explorant la nature humaine, La Vie de château à voir et revoir.

Honnêtement, je n’ai pas les mots. Je me demande si je dramatise, si j’en fais trop… Moins de 24 heures après avoir vu ce film, peut-être que je devrais donner le temps à mon esprit de trouver plus de points positifs.

Je vais juste faire cette review et ne plus jamais penser à ce film. J’ai lu quelques critiques qui partageaient le même point de vue. En résumé, on a de l’espoir pendant les cinquante premières minutes. On se dit, c’est cute, c’est niveau amateur mais il y a de quoi être diverti. C’est du Feel The Noise x You Got Served. Pourquoi pas ? Et les dernières cinquante minutes, on passe de l’incrédulité à la consternation pour finir sur de la résignation. J’aurais voulu vous faire une review bien organisée, plan en 3 parties avec thèse, anti-thèse, synthèse… Je n’en ai même pas envie.

J’avais regardé des interviews de Nick Cannon. Il donnait l’impression d’être sincère dans sa démarche de mettre la culture dancehall en lumière… Je ne vous parlerai pas de la réalisation style clip-vidéo ou télé-réalité qui donnait un packaging flashy. Je ne vous parlerai pas des dialogues super cheesy, des acteurs et actrices sous-titrés en anglais quand ils parlent patois. Je vous parlerai juste de l’histoire qui, pour moi, est l’exemple même d’une incompréhension totale de ce qu’est être un Caribéen au 21ème siècle.

Je suis de l’avis de ceux qui disent que si N.C voulait mettre la culture dancehall en lumière, il aurait dû faire un vrai documentaire : interviewer des artistes locaux connus ou pas à l’international, des crews de danse, des promoteurs de soirées. Au lieu de ça, il se sert de la culture dancehall pour se glorifier lui en tant qu’Américain.

C’est ça, mon problème. Je ne comprends pas la logique de vouloir rendre hommage à une culture en se mettant en avant soi alors qu’on ne fait pas partie soi-même de cette culture.

Déjà le concept “je m’appelle Tarzan, je suis le roi de la jungle, je m’impose au royaume de la dancehall en six mois”. Take a seat… several seats. Tarzan est issu de la diaspora jamaïcaine. C’est une chose de passer sous silence les difficultés dans les relations entre locaux et diaspora pour faire genre le monde de bisounours. C’en est une autre de caricaturer le peu de culture locale mise en scène. Je fulminais sur ses descriptions de la vie là-bas et je ne suis même pas Jamaïcaine.

La représentation des femmes, n’en parlons même pas parce que j’avais juste envie de crier au désespoir. La vierge pure vs. la tentatrice evil, are we being serious right now ? Ces personnages ont zéro dimension. On ne connaît pas leurs rêves, leurs ambitions. On sait juste qu’elles aiment danser et veulent coucher avec Tarzan. Super!

Et la danse dancehall pour Nick Cannon, c’est juste du booty shaking en pum-pum shorts. Les danseurs, eux, ce sont des rude boys, des gangstas, ils sont coooool. Concrètement, Tarzan “maîtrise” la danse en 6 mois. Je ne dis pas que c’est impossible si on s’entraîne quasiment 24H/24. Mais le gars, il débarque là, complètement acculturé, n’a jamais dansé de sa vie (même pas de hip-hop, rien, nada, nothing) et il faut croire qu’il est capable de prendre la tête d’un des meilleurs crews en claquant des doigts. Et non seulement il est à la tête du crew sans avoir le swag, sans avoir une idée de comment ils utilisent leurs tenues pour construire leur image, sans savoir comment plaire au public, mais l se permet le luxe de battre les autres crews sans rien faire d’exceptionnel (on ne le voit même pas chorégraphier une performance). Et tout le monde est à ses pieds, Beenie Man lui-même dit que Tarzan était le vrai “king of the dancehall”.

Je préfère en rire. Oui, il vaut mieux en rire. J’essaye toujours de voir le verre à moitié-plein, mais il ne faut pas exagérer. Oui, cette culture nourrit les plus gros hits de ces 10 dernières années (pour ne pas dire plus). Oui, ses artistes restent dans l’ombre des stars US qui l’utilisent pour leur carrière pop. Mais, est-ce que “King of The Dancehall” était la réponse au désert cinématographique sur le sujet depuis “Dancehall Queen” ? Non.

Le 14 octobre, j’ai assisté à l’avant-première du film O Madiana. Il s’agit de la version restaurée de 1979. Je n’avais aucune idée de son existence jusqu’à ce que @_Fouye me parle de la semaine du film de la Caraïbe et des Outre mer en septembre. J’ai regardé le programme et il n’y a que les films du week-end (en même temps, je ne peux pas sortir en semaine de toute façon vu que j’ai un emploi maintenant) qui m’intéressaient. Je n’irai pas revoir Siméon, mais je me suis dit que je ne pouvais pas laisser passer O Madiana, d’autant plus qu’il y avait une séance questions-réponses avec le scénariste et réalisateur Constant Gros-Dubois.

Un storytelling complexe

C’est le seul point “négatif” pour moi. Malgré le fil conducteur, le déroulement de l’intrigue part un peu dans tous les sens. Les changements d’état psychologique des personnages ne sont pas toujours montrés. Ces ellipses temporelles donnent l’impression que ces personnages sont des personnages juste là pour recréer des situations réalistes et non des personnages à qui on insuffle la vie. A l’instar de la séquence d’ouverture qui concerne des personnages secondaires n’ayant de relation avec les personnages principaux que dans les 20 dernières minutes du film, le scénariste/réalisateur a mis l’accent sur “l’avant/après” sans insister parfois sur le “pendant” ou le “comment”. Par exemple, il n’y a pas d’explication sur la création des liens entre les personnages antillais, la voix des enfants est passée sous silence. Les personnages ne sont définis que par leurs moments de souffrances. Le lien, la solidarité se voient dans certains moments, et pas d’autres sans qu’il y ait des explications concrètes. Au cours de la séance de questions-réponses, j’ai eu indirectement la réponse à cette interrogation. L’objectif de Constant Gros-Dubois était de montrer les difficultés que rencontrent les Antillais immigrés, et non de montrer la vie des Antillais immigrés. Cette grille de lecture justifie les choix dans la narration. Je n’y adhère pas complètement, mais je la comprends. Emploi et logement sont deux aspects à travers lesquels se manifeste le racisme. 90 minutes, c’est court et en même temps, c’est long quand on est face à des situations d’injustice qui s’enchaînent.

Un quotidien de souffrance

La force du film est son authenticité. Chaque situation avait de quoi résonner dans le coeur de tout migrant. Les dialogues sont théâtralisés, ce qui rendent les propos racistes de certains personnages d’autant plus péremptoires. Ce qui est troublant est le racisme clairement exprimé par les personnages blancs. Pas de white savior (désolée pour l’anachronisme du terme), les rares Blancs de l’histoire sont dans le conflit soit parce qu’ils sont eux-mêmes frustrés de la situation des Antillais comme le personnage joué par Anémone, soit parce qu’ils sont des antagonistes comme les loueurs de maison, le patron de Léontine.

Au-delà du racisme envers les Noirs, le discours est également sans détour sur les problèmes spécifiques des Antillais. Cette quête d’identité en tant qu’individu, en tant qu’Antillais, en tant que Français… Ces questionnements se posent à travers différentes générations. De Robert et Léontine “fraîchement” arrivés de Martinique à leurs amis Jonas et Lucien qui ont vécu ce rêve avant eux en passant par Jimmy et Annie, jeunes adultes nés en Martinique mais ayant vécu toute leur vie dans un Paris où ils ne sont pas heureux. Ce qui est troublant est le mal-être exprimé par ces personnages avec des termes que j’entends encore aujourd’hui.

Robert et Léontine ont des procédés opposés pour lutter contre le déraillement de leur vie. Lui se réfugie dans une africanité d’apparat, elle se réfugie dans un blanchiment de sa mentalité jusqu’à tomber en dépression. Le mot est prononcé et il ressort d’autant plus pour un spectateur de 2017 puisqu’on a l’impression que la santé mentale des Noirs dans les médias était un tabou jusqu’à il y a une dizaine d’années ? Constant Gros-Dubois étant médecin, il n’y a pas à s’étonner de cette dimension médicale dans le choix narratif puisqu’il survole aussi le problème de la drogue chez les jeunes, mais je crois qu’il était important de le souligner.

Un témoignage du bouillonnement de l’entertainment antillais

Le paradoxe avec O Madiana est que ce film met en scène le déracinement… ou plutôt la revendication de racines qui s’autogénérent en donnant de la visibilité à des acteurs que l’industrie du cinéma français considère encore comme des étrangers et qu’elle laisse dans l’ombre. J’ai oublié son nom (sorry), mais le petit-fils de Darling Légitimus… ou le neveu de Théo Légitimus (vraiment sorry de ne pas avoir retenu sa présentation) leur a rendu un vibrant hommage ainsi qu’à Benjamin Jules-Rosette, le fondateur du théâtre noir qui tient ici le rôle principal. Il a rappelé que l’absence de ces oeuvres, le manque de reconnaissance de ces acteurs et actrices empêchent le travail de transmission d’une génération à l’autre, ce qui donne l’impression d’un éternel recommencement artistique alors que les bases ont été posées dès les années 70/80.

Benjamin Jules-Rosette était présent lors de la projection (black don’t crack, les gens) et il était assez ému. Néanmoins, ce qui m’a vraiment touché c’est la femme élégante assise juste derrière moi que je n’ai vu qu’au moment de sortir de la salle. Malgré les années, je l’ai reconnue tout de suite. C’était Rose-Marie Fixy, celle qui joue Léontine. Je lui ai serré la main et je lui ai dit merci pour le film. Elle est restée discrète et je n’ai pas dit plus parce que j’avais peur de l’importuner, d’autant plus que ses ami.e.s du théâtre sont venus la saluer. Mais j’aurais aimé lui dire à quel point son personnage m’a émue. Le film est résolument construit à partir du regard masculin, mais les figures de femmes esquissées suggéraient la richesse des histoires à raconter sur cette époque.

Transmission, transmission, transmission

Quand j’ai ouvert mon blog, c’était tout à fait dans l’idée de garder ma trace de ces maillons de la chaîne dans la transmission de nos identités caribéennes. En écoutant la génération des quinquagénaires et au-delà, j’ai toujours le sentiment qu’ils trouvent que la génération des trentenaires et quadragénaires d’aujourd’hui est l’unique responsable de ce manque de transmission, que les ados des années 80/90 refusaient d’écouter, de s’intéresser au vécu de la génération des parents et grand-parents. Néanmoins, la communication doit se faire à double-sens. Quand ce film est sorti en 1979 a-t-il aidé à ouvrir des discussions au sein des familles ? On sait que les relations entre la famille restée sur l’île et la famille en France hexagonale peuvent parfois être tendues à cause de la méconnaissance mutuelle des quotidiens. Ce film toujours d’actualité montre parfaitement ce qui se passe de ce côté de l’Atlantique, sans dramatiser, sans embellir. Un DVD est en cours de préparation. J’espère que O Madiana sera aussi disponible en streaming afin de faciliter l’accès à cette histoire des premières générations de la diaspora afroantillaise.

Allez, un petit billet, histoire de…

Le mois dernier, Netflix a mis en ligne un nouveau téléfilm : #Realityhigh. L’unique raison pour laquelle j’ai cliqué sur “Play” est Keith Powers. Il jouait Ronnie Devoe dans le biopic de New Edition. L’unique raison pour laquelle j’ai regardé jusqu’au bout sont les feels donnés par cette rom-com ado.

10 Things I Hate About You, Mean Girls, She’s All That … Il y a très peu de teen movie comédie romantique des années 90 et début des années 2000 que je n’ai pas rerererevisionnés entre 10 et 20 ans. A part Bring It On et Save The Last Dance, je ne me rappelle pas que la question de la diversitéyyyy ait été franchement posée. A l’époque, dans ma représentation des Etats-Unis, cette ségrégation dans le storytelling allait de soi. Soit l’histoire était dans un lycée de banlieue (riche) blanche, soit l’histoire était dans un lycée de inner city où il n’y avait que des Noirs et des Latinos qui strugglaient à mort.

Si Dionne et Murray de Clueless m’ont fait voir, je crois bien, mon premier couple ados noirs riches en 1995, ce n’est qu’avec des films comme Love & Basketball (2000), Love Don’t Cost A Thing (2003) que j’ai eu l’impression que l’ado noir était présenté dans un quotidien universel (trouver un avenir, trouver l’amour, se trouver soi). Mais les clichés qui me donnent les feels genre le BG qui tombe amoureux de la nerd après un relooking, ou l’anti-sociale qui donne des cours au BG du lycée/campus qui tombe sous son charme… Je sais, c’est hyper cliché mais vous savez que vous aimez, vous aussi ! Tout ça n’arrivait que chez les white teens et rarement chez les black teens. Au final, ces black teen movies proposaient un monde tout aussi homogène que les white teen movies. Et en soi, honnêtement, ça ne me dérange pas. Mais, en fan inconditionnelle de la Légende de Cendrillon, je ne dis jamais non à un cast visuellement hétérogène et une histoire colorblind. C’est un peu la carte que les High School Musical ont jouée, même si choisir un lead man qui soit typiquement dans les critères de beauté basique (blond, yeux bleus) était safe. C’est pour ça que #Realityhigh m’a intriguée. Le couple lead est 100% noir.

O-kayyyyy, ils sont plutôt light-skinned. Mais quand même. Un couple lead noir dans une comédie romantique ado sans pour autant que ce soit un black universe revendiqué, je n’en avais pas vu depuis… Bon, j’ai googlé pendant 15 minutes, j’ai essayé de fouiller mes souvenirs, mais franchement, aucun exemple m’est revenu à part Love Don’t Cost A Thing et You Got Served, maybe ? Et You Got Served est plus un film de danse qu’une vraie comédie romantique. Ou alors Let It Shine, le film Disney Channel avec Tyler Williams et Coco Jones ? Dites-moi si vous en connaissez. En tout cas, pour revenir à #Realityhigh, c’est le couple lead qui a fini de me convaincre de me caler sous la couette un dimanche matin pour procrastiner tranquillement.

La plupart des clichés du storytelling des 90’s que j’aime sont réunis ici, mais toujours avec un twist contemporain. Dans les années 90’s, Dani aurait été une nerd qui porte un appareil dentaire immonde tout le temps. Là, ce n’est que pour dormir. Dans les années 90’s, Dani serait dans une famille monoparentale et/ou dysfonctionnelle. Là, elle est dans une famille qui l’aime et la soutient dans ce qu’elle entreprend. Dans les années 90’s, Dani serait une sans-ami ou n’aurait qu’une seule meilleure amie encore plus bolosse qu’elle. Là, Dani a UN meilleur ami qui rêve d’être DJ. Dans les années 90’s, Dani aurait bossé après l’école pour se payer la fac parce que ses parents n’ont pas les moyens. Là, Dani bosse dans une clinique vétérinaire et sa préoccupation principale est de réussir l’entretien ainsi que d’avoir une lettre de recommandation pour intégrer la fac de ses rêves. Non pas que ses parents soient en mesure de lui acheter tout ce qu’elle veut, mais l’argent n’est pas un problème pour elle. Dans les années 90, Dani aurait dû avoir un talent (l’écriture, la danse, le dessin) pour séduire M. BG Hot Stuff du lycée. Là, elle séduit avec son intelligence et sa maladresse.

J’ai agréablement été surprise par le niveau de colorblindness de l’intrigue. Les habituels clichés sur les Noirs sont absents. Exemple 1 : les Noirs ne savent pas nager/ont peur de l’eau. Cameron le BG est déjà promis à une médaille olympique en natation. Il veut étudier… Bon, je ne vous dis pas parce que c’est quand même un moment cute du film, mais disons qu’être athlète n’est pas une fin en soi pour lui. Dans les années 90, il aurait été un joueur de football américain ou de basketball. Exemple 2 : il n’y a pas de house party où le hip-hop est à fond et les quelques scènes de fêtes ne font pas dans la débauche… En fait, le cameo d’un célèbre rappeur actuel n’est crédible (en tout cas pour moi) que parce que son lien à Dani se fait par la personnalité. Dani aurait été blanche, il y aurait eu un peu plus d’incrédulité de ma part mais pas tant que ça, vu le contexte.

Ce serait mentir de dire que j’ai trouvé ce film exceptionnel. Tout se devine, il n’y a pas vraiment de surprise. Le cliché du lycéen exhibitionniste qui fait tourner le proviseur en bourrique… Il y a plus original comme facteur d’humour. J’ai trouvé la suggestion d’un carré amoureux inutile. L’histoire fonctionnait déjà bien avec le triangle amoureux. L’amour queer a droit à son couple que personne ne juge. Au final, Dani et Cameron sont des personnages lisses, sans fioriture. Au-delà du fait qu’ils sont tous les deux intelligents, ils incarnent quand même les angoisses ordinaires des ados, et en étant Noirs. Quand on vous dit que c’est possible, voilà la preuve. Je sais, la société n’est pas colorblind et des films woke pour l’analyser, il en faut. Mais des films légers pour rêver romance de temps en temps pendant 90 minutes ne font pas de mal, n’est-ce pas ?

Je me rappelle quand j’avais entendu parler de “Fifty” en 2016. J’étais en pleine introspection sur ma life, je réfléchissais à ouvrir ce blog et je me disais que jamais je ne verrais ce film au cinéma en France. Environ 18 mois plus tard, et ayant cédé à l’appel de Netflix, j’ai enfin pu visionner “Fifty”.

Résumé Netflix: A Lagos, au Nigeria, quatre femmes cinquantenaires qui ont réussi font le point sur leur vie et sur leurs amours le temps d’une semaine.

C’est la première fois que je regarde un film nigérien donc je n’ai aucun élément de comparaison sur la qualité que Nollywood offre. D’ailleurs, je me suis rendue compte après visionnage que j’avais inconsciemment pris “Sex & The City” en référence quand j’avais regardé la bande-annone alors que ce n’est pas du tout le même délire. Et tant mieux.

Pendant une centaine de minutes, Biyi Bandele nous dévoile une semaine de la vie de quatre quinquagénaires : Elizabeth la gynéco qui apprécie les toy boys ; Tola l’influenceuse au bord du divorce ; Maria qui se retrouve enceinte d’un homme marié et Kate qui se réfugie dans la religion quand sa santé se détériore. Ces femmes ont réussi. Elles ont l’argent, la réputation, une carrière à succès, elles sont en contrôle… Mais ce qui se passe dans leur vie privée les pousse à se remettre en question et à prendre du recul sur leurs priorités.

Il est rare pour un public occidental de voir l’amitié représenté par une groupe d’actrices noires. Et c’est d’autant plus rare que ce soit l’amitié dans la joie mais aussi dans la douleur qu’elle peut apporter. L’amitié est de l’amour et la véritable amitié c’est être capable de dire à l’autre qu’il s’égare mais aussi accepter de recevoir cette opinion pour rectifier le tir. Malgré les nombreux rebondissements, j’ai trouvé que l’intrigue avait quand même quelques longueurs parce qu’il n’y avait pas toujours de suivi sur les réactions des personnages ou d’interactions directes entre les amies.

La maternité est l’autre thème fort abordé. Certes, il y a Maria mais la complexité d’être mère se décline à travers chacune d’entre elles en réalité. Je ne peux pas en dire plus sans spoiler, mais disons que chaque personnage illustre les interrogations que toute mère rencontre. Bon, c’est parfois fait de façon un peu dramatique mais c’est la théâtralisation qui le veut.

Fifty m’a fait passer un bon moment. Ces femmes alliant flamboyance en toute circonstance sur une base de vulnérabilité m’ont fait sourire, m’ont émue, m’ont attendrie… Et encore une fois, une oeuvre étrangère me rappelle le manque de diversité dans la représentation des femmes noires dans le cinéma français.